Como prometido aqui está o podcast com os artistas do Segredo de Kells! Garantia de muitas risadas!!!

Até a próxima!!!

http://www.bmonteiro.com/podcast.mp3

Muita pueira baixou aqui pelo blog devido ao imenso volume de trabalho que todos nós estamos tendo, porém gostaria de dizer que essa semana tem gravação de um novíssimo podcast, vai ser muito divertido, serão muuuitos artistas que suaram a camisa de verdade, que perderam noites de sono, que andavam com olheras, madrugando com um labrador chocolate lambendo todo mundo as 4 da manhã, os atletas do  depois da meia noite, enfim  muuuuita notícia de verdade sobre como foi o trabalho real dos brasileiros no Kells!

Fiquem ligados!!!!

Um abraço,

Bruno

Appeal ou apelo em português é uma das ferramentas mais importantes na animação. Muitas vezes enquanto estamos animando, a grande preocupação nossa é tentar fazer com que o personagem saia de um ponto e chegue ao seu destino final na cena, executando todos os pedidos do diretor. A cena está finalizada e não há nenhum erro de curvas, todos os intervalos funcionam, os arcos estão limpos e seu spacing também está funcionando. Porém ao olhar para a sua cena, o diretor torce o nariz e diz algo do tipo: “Ehhhhhhhhhhhhh…..acho que é isso mas num sei….ahhhhhhhh…..funcionando tá mas…..aaaaaaâaaaahhhhh…..e se aqui você, âhn….” Muitas vezes eu já vi isso ocorrer e a maioria das vezes as cenas estavam realmente funcionando mas faltava alguma coisa, uma coisa que o olho não sabe identificar mas o “paladar” aponta um problema. Esse problema é que as poses estão certas mas está faltando apelo à elas. O que isso quer dizer?! Apelo numa pose é trabalhar essa pose pensando em como atingir a audiência com um soco do Mike Tyson! A pose tem que ser super emotiva e bem trabalhada para que a emoção a ser passada na cena possa ser sentida através das poses que o animador trabalhou. Uma coisa que eu sempre digo aos meus alunos é que a emoção tem que vir antes da animação. Isso quer dizer que antes de se pensar no body mechanics, nos arcos ou nas curvas, é importantíssimo que o animador transfira a emoção da cena para ele mesmo e que ele consiga entrar no estado mental do personagem a ser animado e com isso ele descubra maneiras de trabalhar a emoção de forma muito mais intensa. No 2D, os animadores tem o que a chama de rough animation. Ela não é simplismente o bloking da animação mas sim a essência da emoção do personagem. No Rough, muitas vezes o model está fora de proporção, faltando desenhos mas o mais importante é que o animador consegue soltar nas linhas a emoção presente dentro do personagem. No 3D, para mim, é muito importante que haja um extenso estudo de thumbnails exatamente para que o animador consiga visualizar a emoção física e mental antes de se preocupar com os controles e com os eixos! Apelo serve tanto para poses “broads” que são aquelas estilo Chuck Jones, na qual o lobo transmite suas emoções mais vicerais em poses super extremas até poses contidas, como Charlie Brown, em que seu corpo levemente curvado e sua cabeça voltada para baixo nos passa uma sensação imediata de carência e solidão. Um grande abraço e até mais!!!

Hoje vim falar de uma coisa muito importante na animação.

Ela é mais importante que verificar os arcos, que arrumar as poses, mais importante que os 12 principios e até mais importante que animar.

Amor, esse é o elemento mais importante no nosso trabalho. Isso pode parecer um pouco piegas mas a verdade é que sem amar animação a gente não pode ser um animador de verdade.

Amar animação faz com que nós nos esforcemos além da conta, refaçamos coisas que já foram aprovadas, viramos noites fazendo projetos pessoais, ou mesmo trabalhos extras. Animação é uma arte que vai além de saber mexer no computador ou rabiscar no papel. Animação é a arte mais complexa e participativa que existe, com ela marcamos nossos nomes na história, fazemos como os primeiros homens faziam, passar adiante uma história, fazendo da imaginação a ferramenta que leva outras pessoas a mundos ou situações novas. Despertando emoções, deixando uma marca.

É muito importante sempre mantermos acesa a chama que faz com que esqueçamos que a cada nova cena não seja só mais um trabalho, mas uma chance de poder dizer alguma coisa, mudar alguma coisa.

Quando você realmente se envolve com a animação, você sai em busca de novos desafios, continua numa busca eterna de se desenvolver e ser não somente um manipulador de movimentos mas um artista mais completo. Por isso para mim é necessário que o artista não seja somente um especialista em animação mas um pintor, desenhista, escultor, roteirista, diretor.

O mundo real por muitas vezes nos coloca barreiras gigantescas entre nossos sonhos e nós, mas são essas barreiras que nos fazem crescer, amadurecer e fortalecer nossos ideais.

Ouço frequentemente animadores dizendo que animariam melhor se houvesse mais tempo ou se isso ou aquilo fosse diferente. A verdade é que toda vez que não nos dedicamos 100% a cada cena, cresce uma sensação de frustração por não ter dado a devida atenção a cena. Toda vez que eu faço uma cena que eu sei que poderia ter me dedicado mais, eu tento me prometer que ela é a última. Isso me faz sempre procurar o melhor de mim. Trabalhando mais horas do que o possível, a gente vai se cansando e a mente muitas vezes faz com que o nosso juízo deixe passar muita coisa. Mas uma coisa que eu ouvi um grande artista falando (Mike Cachuella) foi “Seu trabalho é tão bom quanto a sua pior peça” isso significa que o nosso dever e obrigação com a nossa arte não é só produzir mas sim encantar, inspirar e sempre ser melhor!

Demoramos para atualizar, mas viemos com novidades! Esta no ar nosso primeiro Pyrocast! Os Pyrocasts nada mais são que Podcasts em que animadores se reunem para falar de animação e se zuar um pouco. O tema do nosso primeiro Podcast é “Aprendendo Animação”.

Nesse Podcast, os Pyromaniacos Esli Stopato, Bruno Monteiro, Daniel Cavalcante, André Forni e Fernando Herrera contam um pouco de como foi aprender animação, as dificuldades e as vitórias e como é passar do aprendizado para a prática.

Gostariamos de receber sugestões sobre como melhorar o Pyrocast e também gostariamos que vocês nos enviassem temas/perguntas para que possamos criar outros Pyrocasts focados nas dúvidas de vocês.

Ah, não se esqueçam de mandar a música do Esli !

Continuando sobre o assunto Pose to Pose e Straight Ahead, vou abordar aqui uma técnica bem interessante de animação que é a “Animação em Layers”.

Essa técnica lembra mais o straight ahead, acredito que foi desenvolvida em cima deste método. O animador anima uma camada de cada vez, às vezes começam pela cabeça, aí passam para o corpo, depois os braços e assim vão até finalizar a cena.

De longe eu não domino está técnica, mas tentei fazer uma animação tosquinha rapidão aqui no estúdio só para que ilustre um pouco o que eu  estou dizendo:

Eu não acreditava neste método, mas já vi pessoalmente alguns animadores que utilizam está técninca atingindo um resultado final fantástico. Hoje eu já vejo como mais um recurso que pode ser utilizado em algumas cenas específicas.

Outro ponto interessante, é que também a diversos animadores renomados como o Andreas Deja (um dos maiores animadores da Disney, conhecido por animar o “Scar” e o “Jafar”), animadores experientes da Pixar entre outros que também animam utilizando esta técninca.

Ou seja, o ponto é: o fim justifica os meios na animação.

Recebi de outros animadores esse link aqui, provavelmente a maioria de vocês já conhece. Achei bem interessante e acho que veio bem a calhar com a discussão que tem rolado sobre métodos de animar.

Para baixar o filme com alta resolução (recomendo), clique aqui.

O autor dessa cena é o Jeff Gabor (BlueSky). Eu não posso dizer com certeza se ele animou da maneira como eu vou descrever, mas imagino que ele fez o seguinte: Nos Storytelling Keys (poses que contam histórias) e nos primeiros dias de blocking, ele usou o método pose-to-pose, só para colocar na cena, o necessário para a cena fazer sentido. Dali em diante, para preencher o que tem de um key para o outro, eu sinto que ele foi meio Straigh Ahead, para adicionar o toque de criatividade e loucura da cena.

Ter 33 dias para uma cena é algo que eu nunca vi na vida, então não tomem isso como exemplo (eu acho até um pouco demais), mas vale a pena analisar o vídeo e ver alguns lances legais como:

- Percebam que ele esconde o rabo deles em diversos momentos, para focar no corpo. Isso, imagino eu, porque o movimento do rabo é, em grande parte, liderado pelo corpo. Apesar de rabo ser uma parte do corpo controlável, ele ainda tem seu movimento ditado pelo corpo.

- Ele adiciona, já no blocking, diversas deformações de smear frames (aqueles frames em que objetos e partes do corpo são deformados para que, quando a animação toque, gere um efeito legal de exagero e tudo mais.)

- Nos últimos 10 dias, tentem reparar mais nos squash&streches e exageros que ele coloca entre os frames.

Numa conversa bastante divertida no estúdio, eu, o Fernando Herrera, o Forni e o Esli Stopato estávamos conversando sobre animar em “Pose to Pose” e em “Straight Ahead”.

Esses dois tipos de animação são muito diferentes porém acabaram por se confundir enquanto íamos conversando. Enquanto cada um falava do seu workflow com as poses, a gente ia questionando se aquilo era pose to pose ou straight ahead. Depois de muito conversar, buscamos outras fontes, como o Richard Williams e o Preston Blair, lembramos de conceitos aprendidos com nossos mentores e chegamos a algumas conclusões.

Pose a pose é uma questão de saber exatamente a diferença entre chaves e extremos e breakdowns, e o porque disso é:

Quando você está animando pose to pose, as primeiras poses que você faz são as poses chaves, que são as poses que determinam tudo o que tem que obrigatoriamente acontecer na cena, ou seja, se a cena que você está animando tem como direção fazer seu personagem entrar correndo, cair no chão e agarrar o tapete antes de sair de cena, o que você tem que fazer é a pose inicial dele entrando em cena, somente essa pose, dele entrando em cena. Depois a outra pose é dele iniciando a queda, o momento que o personagem se desiquilibra. A outra pose é a dele agarrando o tapete e a ultima pose é a dele saindo de cena. Somente essas poses são as suas poses chave, são as poses que tem que obrigatoriamente tem que ter na cena! 4 a 5 poses são mais do que suficientes para daterminar todas as poses chaves.

Depois disso, você volta e começa a colocar os extremos na cena, ou seja, todas as poses em que há mudança de pose e ação, ou seja, todos os passos, todos os downs, todas as escorregadas e a queda, as poses de contato e ele saindo de cena. Esses são os extremos, e se você anima dessa maneira, você na verdade anima straight ahead e não pose to pose!

Herrera

Foi aí que começamos a entrar em outra parte da conversa, lembrando de um dos 12 princípios da animação “Straight ahead action e Pose to pose”. Acho que esse é o princípio mais difícil de entender.

Então o que quer dizer?

É muito mais que uma sugestão de workflow, é sintetizar os pontos fortes de cada um. Como diz o Illusion of Life “Com Pose to Pose, há clareza e força. Em Straight Ahead Action, há espontaneidade.”

Então independente do seu workflow acho que o importante é sempre observar se você está alcançando Clareza, Força (ou poses fortes) e Espontaneidade na sua animação.

Então, tenha certeza que suas storytelling poses (as poses que contam a história), juntamente com as expressões faciais, estão bem claras e fortes.

Verifique se suas transições entre as poses não estão burocráticas, ou seja, as partes não estão se movendo apenas por mover e saindo, chegando todas ao mesmo tempo. Se o movimento parece fisicamente correto e espontâneo.

Minha sugestão é nos estudos procurar dominar as duas técnicas, para que aos poucos você consiga aproveitar o melhor das duas.

E aí pessoal ?

Estamos muito entusiasmados com a participação de todos no blog, vamos contiuar botando fogo na animação Brasileira galera !!!

Estou postando agora um vídeo que eu gravei dando dicas de como utilizar o script ”Curve” que foi desenvolvido pelo meu xará Daniel Moreno e tem sido muito utilizado pelo pessoal lá no trabalho.

Este script ajuda no processo de edição de curvas, pincipalmente economizando tempo.

Durante muito tempo eu trabalhei com chefes que haviam trabalhado nos EUA durante décadas, e nesse estúdio em que eu trabalhei, a gente usava muitos termos de animação como se falam lá fora. Pois bem, depois de 4 anos eu saí desse estúdio e começei a trabalhar em outras produtoras, e para a minha surpresa, notei que há alguns termos que são falados incorretamente por gerações e vejo novos artistas perpetuando o erro. Isso pode parecer meio bobo, mas se você fosse a um médico e ele te dissesse que seu problema é de estrombo, ao invés de estômago, você iria acreditar piamente na qualidade do médico?

Todas as areas tem seus termos específicos e criam um concenso em torno de fundamentos e de técnicas.

Então vamos afiar nosso vocabulario para não errar mais quando falamos o termo animaçonês!

“BY ONES” ou “BY TWOS”;

Gente isso não existe, basta ler livros de animação em inglês, RICHARD WILLIAMS, The Animator Survival Kit, pag 76!

Procurem na Wikipedia;http://en.wikipedia.org/wiki/Traditional_animation#.22Shooting_on_twos.22

É “ON ONES” ou “ON TWOS” e por aí vai

Outro termo que eu acho feio que nem o diabo é;

REFAÇÂO, o cara que criou esse jargão devia tar com dor de estrombo, não é possível, procurem no AURELIO ON LINE nem lá tem! o termo correto é CORREÇÃO!

Outra coisa é quando alguém vira e diz, tá legal a cena, agora trabalha o MOVIMENTO SECUNDÁRIO  do cabelo caindo na cara dele, ou o casaco recostando no corpo do personagem. Isso meus caros é Follow Through, movimento secundário é quando o personagem faz outro movimento para reforçar a ação principal,  por exemplo se um personagem está cabisbaixo ele pode passar a mão de leve na  blusa, isso reforça ainda mais a sensação da emoção, isso é um movimento secundário, uma ação independente da primeira que ajuda a primeira ação a se destacar!

Então pessoal façam uma correção no vocabulário e acabem de vez com a refação e com o by twos!

Quem souber de mais jargões mal utilizados postem aqui no blog! Vamos dar  um polish na nossa querida lingua animaçonês!

Um abraço a todos!